I den här intervjun pratar Pondo med Valerio Vidali, illustratör av Gianni Rodaris Telephone Tales. Deras konversation behandlar den unika utmaningen i att illustrera en författare så ikonisk som Rodari (särskilt i Vidalis Italien), vikten av lek inom konstnärlig praktik, samt ett tidigt illustrationskoncept för boken som slutligen övergavs, men var viktigt för att komma fram till det slutliga konstverket.
Som uppvuxen i Italien, kan du introducera oss till några italienska barnböcker som var en viktig del av din barndom? Hittar du några stora skillnader mellan italienska bilderböcker och amerikanska?
Det här kanske låter lite tråkigt, men jag hade inte tillgång till bilderböcker när jag var barn, även om jag hade ett vackert illustrerat uppslagsverk som jag slukade med ögonen, samt en samling litteraturklassiker, som Tom Sawyer, Huckleberry Finn, Silverskridskorna, Robin Hood, Prinsen och tiggargossen och Paul Street Boys.
Den italienska författaren par excellence var förstås Gianni Rodari. Mina favoriter var The Book of Mistakes och Telephone Tales.
Den enda bilderboken jag växte upp med var en riktigt stor bok av Richard Scarry, som jag fortfarande älskar och värdesätter.
När du tänker tillbaka på några av dina favoritböcker från barndomen, märker du några sätt som de har gjort avtryck på, sätt som påverkar din egen inställning till illustration, bokkonst och berättande?
Både det illustrerade uppslagsverket och Richard Scarry-bildboken lärde mig nöjet med detaljerade bilder och glädjen i att upptäcka små detaljer. Jag tror att detta är något jag fortfarande håller på med i mitt arbete, ibland till en skadlig nivå.
Enkelhet är ofta den bästa vägen att gå, och min naturliga instinkt att fylla bilden med detaljer gör det svårare för mig att uppnå det.
Ser du några drag som har överlevt från det konstnärs-jag du var i din barndom? Eller finns det några drag från din barndomskonst som du försöker komma tillbaka till i ditt professionella arbete?
Att vara illustratör kan vara ansträngande. Den dagliga rutinen, stressen av annalkande deadlines, de kreativa blockeringarna. Vägen till ett tillfredsställande slutresultat är ofta lång och ojämn. När jag blir frustrerad och vilse under processen är det en stor hjälp att komma ihåg hur jag kände mig som barn. Det tar det mig tillbaka till grunderna, som är att ha kul.
Som italienare, kan du beskriva den påverkan som Gianni Rodaris arbeten – Favole al telefono eller andra – har på dig? Hur känns det att ha illustrerat berättelser av en så framstående italiensk författare för en helt ny publik? Den ursprungliga versionen av denna bok publicerades 1962 av Einaudi Editore, med illustrationer av Bruno Munari som är helt annorlunda och mer minimalistiska än dina egna. Är det den versionen du växte upp med? Minns du att du föreställde dig några av dina egna bilder som ackompanjemang till berättelserna när du läste den här boken som barn, och följde någon av dessa barndomsbilder med dig när du gjorde konsten för den engelska upplagan?
Rodaris arbete och kreativitet finns överallt i Italien, det är inbäddat i pedagogernas arbete och i själva skolsystemet.
Rodari är det första namn jag tänker på när jag tänker på barnlitteratur. Att illustrera en bok som jag älskade som barn för en helt ny publik har varit en njutning och ett absolut privilegium.
Jag växte upp med upplagan illustrerad av Bruno Munari, ja!
Han är förstås gudfadern till många italienska illustratörer och designers, samt en stor inspirationskälla (omslaget till C’era due volte il barone Lamberto kan vara den bästa teckningen som någonsin gjorts, om du frågar mig 🙂 )
Berätta lite om hur du kom att arbeta med Telephone Tales med Enchanted Lion. Vilka var några av dina tidiga känslor kring det här projektet?
Om jag minns rätt, åt jag lunch med Claudia. Hon berättade för mig att hon lyckats förvärva de engelska rättigheterna till Telephone Tales och hon var mycket uppspelt över det. Hon berättade också att hon inte hade någon illustratör för det ännu, och hon frågade mig: Har du någon i åtanke som du tror kan göra ett bra jobb med att illustrera Rodari? Och jag svarade (mycket själviskt): Jag! Jag skulle göra ett bra jobb!
Mina tidiga känslor var en hel del spänning och lite oro.
Som läsare har Telephone Tales ett stort sentimentalt värde för mig, men efter att redan ha illustrerat Rodari en gång tidigare (Novelle fatte a macchina, Einaudi 2011) vet jag att Rodari kan vara knepig att illustrera. Hans skrivande är så rikt och surrealistiskt att en illustration ofta inte är nödvändig.
Dessutom är Telephone Tales en stor bok och en hel del arbete.
Böckerna du har illustrerat varierar mycket i text, från en samling berättelser som Telephone Tales, med mycket mer utarbetad och beskrivande text, till en bok som Hundred, med mer minimal text. Förändras din inställning till illustrationerna och fantasiprocessen beroende på hur mycket detaljer som ingår i texten? Hur upplever du förhållandet mellan dina bilder och vad som uttrycks i ord?
En mindre beskrivande text ger mig mer frihet att tolka, eftersom jag kan välja att använda visuella metaforer eller att arbeta på ett mer narrativt sätt.
Mycket beskrivande text är mycket mer begränsande. Du kan fortfarande vara kreativ men du måste hitta din väg runt texten.
Hur mycket lek och efterforskning är inblandade i att förverkliga den slutliga konsten för dina böcker? Blir dina experiment någonsin en del av det slutliga resultatet? Eller är det en separat fas i processen helt och hållet? Fanns det något du utforskade (idé, komposition, medium…) under din kreativa process som inte tog sig in i den slutliga boken (kan gälla Telephone Tales eller The Shadow Elephant!), men som du är glad att ha spenderat tid på att utforska ändå?
Det finns alltid en fas av experiment i början, när det gäller Telephone Tales var min tidiga idé att illustrera boken med enbart kontorsmaterial (BIC-pennor, mekaniska pennor, billiga markörer och sådant), med en stil som skulle likna det klotter som människor gör när de pratar på en fast telefon. Jag arbetade med den här idén ganska länge. Jag gillade konceptet väldigt mycket, men i slutändan bestämde jag mig för att ta en annan riktning av ett par skäl: Att rita med hjälp av kontorsmaterial visade sig vara ganska obehagligt och frustrerande. Ännu viktigare var att jag var orolig för att klotterestetiken skulle göra att boken såg lite intetsägande och ointressant ut för de unga läsarna.
Av de skälen förverkligades det slutliga konstverket med hjälp av mestadels bläckfyllda akvarellpenslar och filtpennor (det här är de verktyg jag brukar använda för att klottra och skissa i min anteckningsbok, så på ett sätt är illustrationerna en snygg version av det normala skissandet jag gör i studion).
När det gäller The Shadow Elephant förekom mycket lite experiment. Vid den tiden reste jag i Colombia och att ta penslar och papper med mig var inte praktiskt, så jag tog med en iPad istället.
I början tänkte jag använda iPad endast för storyboard och narrativ (och senare måla konstverket analogt), men jag var så nöjd med det digitala resultatet att jag bestämde mig för att arbeta direkt på det slutliga konstverket. Allt hände mycket snabbt och organiskt på bara några veckor. Det här var första gången jag illustrerade en bok digitalt.
Dina böcker förmedlar berättelser från ett brett spektrum av känslomässiga perspektiv och livserfarenheter. Resan genom livet till ålderdom är ett återkommande tema i The Forest och Hundred, och The Shadow Elephant utforskar några mycket svåra känslor. Kan du berätta för oss om hur det är att illustrera dessa ämnen och erfarenheter? Vilken typ av finkänslighet tycker du är inblandad, och hur finner du den empatin? Lär du dig någonsin nya saker om dig själv genom att illustrera dessa erfarenheter, eller nya förståelser av människorna i ditt liv?
Att arbeta med böcker som utforskar komplexa ämnen och känslor ger mig möjlighet att tänka djupare om ett visst ämne och utveckla en mer utbildad åsikt om det. The Shadow Elephant fick mig till exempel att reflektera över vad sorg är, stigmatiseringen som följer och hur vårt samhälle hanterar det likt ett problem som måste lösas. Sorg är en mänsklig känsla som alla andra, lite kemisk magi som händer i våra hjärnor. Det behöver ofta förståelse mer än det behöver en lösning.
Kan du dela lite om hur du går tillväga för att närma dig varje ny berättelse du arbetar med? Vad informerar dina beslut när det gäller process, medium, etc.? För konsten i Telephone Tales, till exempel, kom du fram till ett koncept inspirerat av telefonklottret från den gamla trådbundna tiden, samt av själva akten att klottra. Hur kom du fram till den här idén? Var det genom konversation, experiment eller bara en plötslig blixt av inspiration? Kan du tala om hur tillvägagångssättet påverkade bokens utfällbara bilder och små inlägg?
Efter att jag släppte tanken på klotterblocksestetik trodde jag att det bästa sättet att närma sig arbetet skulle vara att försöka matcha lekfullheten och surrealismen i Rodaris skrivande genom att göra illustrationerna och layouten så lekfull och rolig som möjligt. Av denna anledning finns det ingen verklig struktur i layouten. Illustrationerna visas i olika former (enstaka sidor, begränsade, utfällningsbara, hela uppslag och små inlägg av olika storlekar).
Jag använde akvarellpenslar och filtpennor, eftersom jag ville att arbetsprocessen också skulle vara snabb och rolig, precis som när jag ritar i mina anteckningsböcker.
En av de viktigaste aspekterna som gör var och en av dina böcker unika är den starka användningen av färg och en ofta begränsad palett. Hur går du tillväga för att skapa en färgpalett för en ny bok? Vad påverkar dina beslut?
Färg innehåller alltid en kommunikativ funktion, så den måste användas i enlighet därmed.
I The Shadow Elephant lever elefanten i en värld och verklighet som går i ”blått på blått”. Den blå färgen skildrar i det fallet elefantens apati och sorg.
I Jemmy Button är djungeln målad i en frodig och levande grön, medan staden skapas med ett mer grafiskt collage av vitt/grått papper. De människor som bor i staden avbildas som blå silhuetter, medan Jemmy Button, som är en outsider, är full av färg.
I The Forest gjorde vi något liknande, med naturen avbildad i levande och lysande färger, medan människorna som utforskar den är utförda i relief på de vita sidorna. Detta är en metafor för vår mänskliga tendens att se oss själva som autonoma varelser, som växer skiljt från naturen.
Användningen av en reducerad färgpalett är vanligtvis ett estetiskt beslut, men det kan också ha en funktion. Ju färre färger, desto starkare är innebörden de bär.
Tempo är ett annat viktigt element i dina böcker. Hur närmar du dig känslan av tid eller förändring visuellt?
Jag gillar generellt att skapa bilder som framkallar en känsla av stillhet, ett slags meditativt lugn.
Varje bild har en tidslängdskomponent i den, som varierar beroende på historien och vad jag försöker kommunicera. När det gäller The Shadow Elephant är tidens gång figurativt representerad, eftersom vi kan se solen röra sig i bakgrunden och ljuset ändra färg på varje sida. Varje scen presenteras på ett mycket teatraliskt sätt, med karaktärerna placerade på mitten av scenen medan bakgrunden ständigt förändras. Skildringen av tiden som går är mycket viktig för historien. Sorg är en kvardröjande känsla och försvinner inte från en minut till en annan; det tar tid.
Berätta mer om dina tidiga erfarenheter som illustratör. Studerade du konst eller design i skolan? Om så är fallet, involverade din utbildning någonsin samarbetsprojekt, eller var det främst individuellt arbete? Tycker du att din utbildning förberedde dig för ditt yrkesliv?
Jag studerade illustration i Milano; det involverade aldrig samarbetsprojekt, men jag träffade några underbara människor där. Jag tror inte att de förberedde mig för mitt yrkesliv, men de tog mig absolut några steg närmare en karriär.
Jag hade några bra lärare och några dåliga, som alla andra. Ännu viktigare skulle jag säga är att jag hade tur att ha några mycket bra klasskamrater.
Några av dina böcker är frukten av vackra samarbeten med andra begåvade konstnärer, som Jennifer Uman (Jemmy Button) och Violeta Lópiz (The Forest). Vilka är några av de största utmaningarna och fördelarna med samarbete för dig? Har du några råd för nya illustratörer gällande samarbete och att lära sig navigera genom det själv?
Att samarbeta med andra konstnärer har varit en vacker och tillfredsställande upplevelse, precis som det har varit mycket svårt och frustrerande ibland. I samarbete finns det många fler aspekter involverade än bara kreativitet: Det finns massor av kommunikation, aspekten av personliga relationer, osäkerhet och egokonflikt. Det är en galen berg- och dalbana, men den är också underbar. Det finns så mycket att lära av andra människor, och jag känner mig lycklig över att ha haft sådana erfarenheter. Att illustrera är ett ensamt yrke och jag hoppas på mer samarbete i framtiden. Jag rekommenderar det definitivt till andra konstnärer.
Vilka är några av dina hobbyer, intressen eller favoritsaker att göra förutom konst?
Under de senaste åren har jag blivit mer och mer intresserad av skulptur.
Jag lär mig för närvarande att arbeta i trä och förhoppningsvis kommer jag en dag att kunna bygga mina egna möbler.
Hur, när och varför började du med barnboksillustration?
I Italien är den vanliga bilden av konst den du ser i kyrkor och museer. Jag växte upp med att teckna helgon och jungfrur. Jag ville bli målare men visste inte hur. Konstakademin i Milano tedde sig som en underbar plats från utsidan, men hela konstvärlden verkade fjärran för mig (det gör den fortfarande). Illustration lät mer rimligt och mer som ett påtagligt yrke. Jag visste inte mycket om det när jag ansökte till skolan, men kort därefter blev jag förälskad i det.
Vad, om något, gillar du att lyssna på medan du arbetar (podcast, musik, etc.). Ändras detta beroende på processens stadium eller projektets energi?
När jag arbetar gillar jag att lyssna på filmer istället för musik. Vanligtvis är det filmer som jag redan har sett. De har antingen ett vackert soundtrack eller massor av bra dialog.
Konst är en oändlig resa av självförbättring och transcendens. Vilka är dina styrkor som konstnär? Dina svagheter? Och vart är du intresserad av att ta dig när det gäller ytterligare utforskning och upptäckt?
Jag är mycket tålmodig, men också fruktansvärt lat. Jag skulle gärna ha mer färdigheter, rent allmänhet. Jag skulle vilja lära mig hantverk som svetsning, snickeri eller keramik. Nästa månad kommer jag att resa till en liten stad i centrala Portugal för att delta i en smedjeverkstad. Här i Portugal finns också en vacker tradition av kakelmålning, flera århundraden lång, och det skulle jag också vilja lära mig. Kanske till och med göra en bok med det någon gång. I framtiden skulle jag vilja att mina verk hade en mer intersektionell aspekt.
Vilket är ditt favoritord?
”Ojalà” är ett spanskt ord som bokstavligen betyder ”om Gud vill”.
Det härrör från arabiska ”inshallah”, men används i dagligt tal, oavsett talarens tro, som ett slags ”jag hoppas det…”
Vilket är ditt minst omtyckta ord?
Söt.
Vem, levande eller död, inspirerar dig i ditt liv?
Bruno Munari, Leo Lionni, Enzo Mari. Härliga människor.
Vilken naturlig gåva, förutom de du har, skulle du helst vilja ha?
Jag önskar att jag var mer envis. Ibland blir jag lätt demoraliserad.
Har du ett livsmotto?
Inte direkt. Misslyckas mer, misslyckas bättre?
Vad är din idé om framgång?
En grönsaksträdgård i solskenet.
Är ritualer en del av din kreativa process?
Jag har inga ritualer, men jag har säkert några upprepande rutiner.
Morgonkaffe följt av lite förhalning och lite mejlläsning, en liten promenad till studion, mer förhalning, lunch, några timmars produktivt arbete, mer kaffe, mer förhalning och lite mejlsvarande. Sedan en promenad hem.
Hur ser förhalning ut för dig?
Att skjuta upp saker är en stor del av min dag.
Jag väljer att tro att det är en grundläggande del av den kreativa processen, även om jag inte är riktigt säker på det. Jag kanske ljuger för mig själv.
Hur skulle du beskriva dina monster?
Ibland väljer jag att inte möta problemen (monstren).
Och det valet är det riktiga monstret.
Vad är din idé om jordisk lycka?
Jag håller mig till en grönsaksträdgård i solskenet.
